Esta entrevista revela la visión de Stanley Kubrick sobre el cine como un arte profundo y emocional, donde cada detalle cuenta. Kubrick enfatiza su perfeccionismo, la importancia de provocar preguntas en lugar de dar respuestas, y su rechazo a finales convencionales. Para él, el cine debe desafiar al espectador, resistir el paso del tiempo y ser una experiencia emocional y visual, más que intelectual. Sus películas no buscan agradar, sino generar discusión y reflexión, mostrando la complejidad de la condición humana.

PREGUNTA: Stanley, eres conocido por tu perfeccionismo. ¿Cómo definirías tu enfoque hacia el cine y la importancia de los detalles?

STANLEY KUBRICK: El perfeccionismo es una maldición necesaria. Un director tiene que estar comprometido con cada detalle, por pequeño que sea. Hacer una película es como intentar resolver un rompecabezas sin saber cómo luce el resultado final. El control es esencial en el cine; todo debe ser premeditado.

P: Hablando de control, ¿cómo ves el papel del director en una producción cinematográfica?

SK: El cine es, en última instancia, un medio colaborativo, pero el director tiene que ser la fuerza coherente detrás de todo. La visión del director es lo único que puede mantener coherente a una película.

P: Tus películas suelen explorar la condición humana desde ángulos complejos. ¿Qué es lo que te atrae de esta temática?

SK: Me atraen las historias que exploran la condición humana. Mis personajes están a menudo atrapados por sus circunstancias, como lo estamos todos. La moral en mis películas es ambigua, como lo es en la vida.

P: Has mencionado que prefieres provocar preguntas en lugar de ofrecer respuestas. ¿Por qué crees que esto es importante en el cine?

SK: Es más interesante provocar preguntas que ofrecer respuestas. El mejor cine te deja con más preguntas que respuestas. Si alguien sale del cine confundido pero inspirado a pensar, creo que la película ha hecho su trabajo.

P: Tus películas a menudo tienen finales ambiguos y no siempre felices. ¿Crees que eso refleja la vida real?

SK: No todas las películas tienen que tener un final feliz, porque la vida no siempre lo tiene. La vida es más bien un juego cruel donde no siempre ganan los buenos.

P: En cuanto al proceso creativo, has sido descrito como un perfeccionista que realiza muchas tomas de una misma escena. ¿Por qué tanta insistencia?

SK: La verdad de una escena es algo que no siempre encuentras en la primera toma. Un director tiene que estar comprometido con cada detalle, por pequeño que sea.

P: 2001: Una odisea del espacio es considerada una obra maestra, pero muchos la encuentran difícil de entender. ¿Cómo responderías a esas críticas?

SK: No tienes que entender 2001: Una odisea del espacio. Solo siéntelo. Un film debe ser más como la música que como la ficción. Si puede ser escrito, o pensado, puede ser filmado.

P: Parece que, para ti, el cine es más una experiencia emocional que intelectual. ¿Es esa la clave para conectar con la audiencia?

SK: El cine es una experiencia emocional más que intelectual. El cine es como un sueño compartido.

P: Has hecho un uso muy particular de la música en películas como El resplandor y 2001. ¿Qué papel juega la música en tu obra?

SK: La música en una película debe ser tratada como un personaje más. Es crucial para crear la atmósfera adecuada.

P: ¿Cómo equilibras lo visual y lo narrativo en tus películas?

SK: El cine es una cuestión de lo que está en el marco y lo que no lo está. Una imagen puede decir más que mil palabras, pero debe ser la imagen correcta.

P: Has mencionado que el cine es colaborativo. ¿Cómo manejas ese aspecto cuando tienes una visión tan clara?

SK: El cine es, en última instancia, un medio colaborativo, pero un director tiene que saber cuándo no interferir con lo que está sucediendo frente a la cámara.

P: Se habla mucho de la violencia en tus películas, como en La naranja mecánica. ¿Cómo te aproximas a ese tema?

SK: No es la violencia lo que me interesa, sino lo que revela sobre los personajes. He descubierto que en la vida real, la violencia es aburrida.

P: Volviendo al cine como arte, ¿cómo ves la relación entre el arte y la vida real?

SK: El arte no puede existir sin el riesgo. El arte del cine es hacer que lo irreal parezca real.

P: ¿Qué opinas del éxito comercial? ¿Es un indicador de calidad en el cine?

SK: El éxito comercial no siempre es un indicador de calidad. No hago películas para complacer a todos. Eso sería un fracaso artístico.

P: ¿Entonces, ¿qué es lo que buscas lograr con tus películas?

SK: Una buena película debe poder resistir el paso del tiempo. El cine puede crear realidades alternativas que revelan más sobre la verdad que el mundo real.

P: ¿Tienes una filosofía sobre el tipo de cine que intentas hacer?

SK: Si puede ser escrito, o pensado, puede ser filmado. No me interesa el éxito comercial inmediato. Lo que realmente importa es cómo será recordada tu obra.

P: Finalmente, Stanley, ¿cómo te gustaría que se recordaran tus películas en el futuro?

SK: Mis películas no están diseñadas para gustar; están diseñadas para ser vistas. Si logran que la gente piense y discuta, entonces he hecho mi trabajo.

El arte es un reflejo imperfecto de la vida, pero a veces dice más que la realidad misma.