Conversación con Stanley Kubrick sobre el cine desde lo emocional, donde cada detalle cuenta. Kubrick enfatiza su perfeccionismo, la importancia de provocar preguntas en lugar de dar respuestas, y su rechazo a finales convencionales. Para Kubrick, el cine debía desafiar al espectador, resistir el paso del tiempo y ser una experiencia emocional más que intelectual. Sus películas no buscaban agradar, sino generar discusión y reflexión, mostrando la complejidad de la condición humana.

PREGUNTA: Stanley, usted es conocido por su perfeccionismo. ¿Cómo definiría su enfoque hacia el cine y la importancia de los detalles?

STANLEY KUBRICK: El perfeccionismo es una maldición necesaria. Un director tiene que estar comprometido con cada detalle, por pequeño que sea. Hacer una película es como intentar resolver un rompecabezas sin saber cómo luce el resultado final. El control es esencial en el cine; todo debe ser premeditado.

P: Hablando de control, ¿cómo ve el papel del director en una producción cinematográfica?

SK: El cine es, en última instancia, un medio colaborativo, pero el director tiene que ser la fuerza coherente detrás de todo. La visión del director es lo único que puede mantener coherente a una película.

P: Sus películas suelen explorar la condición humana desde ángulos complejos. ¿Qué es lo que le atrae de esta temática?

SK: Me atraen las historias que exploran la condición humana. Mis personajes están a menudo atrapados por sus circunstancias, como lo estamos todos. La moral en mis películas es ambigua, como lo es en la vida.

P: Ha mencionado que prefiere provocar preguntas en lugar de ofrecer respuestas. ¿Por qué cree que esto es importante en el cine?

SK: Es más interesante provocar preguntas que ofrecer respuestas. El mejor cine te deja con más preguntas que respuestas. Si alguien sale del cine confundido pero inspirado a pensar, creo que la película ha hecho su trabajo.

P: Sus películas a menudo tienen finales ambiguos y no siempre felices. ¿Cree que eso refleja la vida real?

SK: No todas las películas tienen que tener un final feliz, porque la vida no siempre lo tiene. La vida es más bien un juego cruel donde no siempre ganan los buenos.

P: En cuanto al proceso creativo, ha sido descrito como un perfeccionista que realiza muchas tomas de una misma escena. ¿Por qué tanta insistencia?

SK: La verdad de una escena es algo que no siempre se encuentra en la primera toma. Un director tiene que estar comprometido con cada detalle, por pequeño que sea.

P: 2001: Una odisea del espacio es considerada una obra maestra, pero muchos la encuentran difícil de entender. ¿Cómo responderías a esas críticas?

SK: No tienes que entender 2001: Una odisea del espacio. Solo siéntelo. Un film debe ser más como la música que como la ficción. Si puede ser escrito, o pensado, puede ser filmado.

P: Parece que, para usted, el cine es más una experiencia emocional que intelectual. ¿Es esa la clave para conectar con la audiencia?

SK: El cine es una experiencia emocional más que intelectual. El cine es como un sueño compartido.

P: Ha hecho un uso muy particular de la música en películas como El resplandor y 2001. ¿Qué papel juega la música en su obra?

SK: La música en una película debe ser tratada como un personaje más. Es crucial para crear la atmósfera adecuada.

P: ¿Cómo equilibra lo visual y lo narrativo en sus películas?

SK: El cine es una cuestión de lo que está en el marco y lo que no lo está. Una imagen puede decir más que mil palabras, pero debe ser la imagen correcta.

P: Ha mencionado que el cine es colaborativo. ¿Cómo maneja ese aspecto cuando tiene una visión tan clara?

SK: El cine es, en última instancia, un medio colaborativo, pero un director tiene que saber cuándo no interferir con lo que está sucediendo frente a la cámara.

P: Se habla mucho de la violencia en sus películas, como en La naranja mecánica. ¿Cómo se aproxima a ese tema?

SK: No es la violencia lo que me interesa, sino lo que revela sobre los personajes. He descubierto que en la vida real, la violencia es aburrida.

P: Volviendo al cine como arte, ¿cómo ve la relación entre el arte y la vida real?

SK: El arte no puede existir sin el riesgo. El arte del cine es hacer que lo irreal parezca real.

P: ¿Qué opina del éxito comercial? ¿Es un indicador de calidad en el cine?

SK: El éxito comercial no siempre es un indicador de calidad. No hago películas para complacer a todos. Eso sería un fracaso artístico.

P: ¿Entonces, ¿qué es lo que busca lograr con sus películas?

SK: Una buena película debe poder resistir el paso del tiempo. El cine puede crear realidades alternativas que revelan más sobre la verdad que el mundo real.

P: ¿Tiene una filosofía sobre el tipo de cine que intenta hacer?

SK: Si puede ser escrito, o pensado, puede ser filmado. No me interesa el éxito comercial inmediato. Lo que realmente importa es cómo será recordada tu obra.

P: Finalmente, Stanley, ¿cómo le gustaría que se recordaran sus películas en el futuro?

SK: Mis películas no están diseñadas para gustar; están diseñadas para ser vistas. Si logran que la gente piense y discuta, entonces he hecho mi trabajo.

El arte es un reflejo imperfecto de la vida, pero a veces dice más que la realidad misma.